Tras otro polémico final donde el mundo se dividió entre Kubo y Zootopia, una polémica franquicia de Pixar que hizo alzar la ceja a los mexicanos por fin llegaba y no sabíamos del impacto que tendría en nuestro país hasta que llegó.
Pixar parecía bastante fuerte en el papel con esta franquicia llamada Coco, pero enfrente tendría a dos cintas independientes que pudieron dar la gran sorpresa, una por un guión bastante intenso y conmovedor, otro por un impresionante trabajo de animación.
Estas fueron las cintas nominadas en los Annie Awards.
Mejor Cinta Animada Independiente
- El Pan de la Guerra (Cartoon Saloon – Irlanda)
- En Este Rincón del Mundo (Genco – Japón)
- Cartas de Van Gogh (BreakThru Films – Polonia)
- Napping Princess (Nippon TV – Japón)
- The Big Bad Fox and Other Tales (StudioCanal – Francia)
Mejor Cinta Animada
- Coco (Pïxar Animation Studios)
- Las Aventuras del Capitán Calzoncillos (Dreamworks)
- Un Jefe en Pañales (Dreamworks)
- Ferdinand (Blue Sky Studios)
- Mi Villano Favorito 3 (Illumination Entertainment)
Las nominadas a los Academy Awards fueron:
- Coco
- Un Jefe en Pañales
- El Pan de la Guerra
- Ferdinand
- Cartas de Van Gogh
El año 2017 tendría un caso muy particular, la primera cinta animada en ganar un Razzie a Peor Película, y esta cinta fue Emoji: La Película.
La cinta de Sony Pictures Animation es un completo desastre de película sobre la historia de un emoticono que busca su propia identidad pues cambia constantemente de forma al moverse con sus emociones. Con una gran cantidad de ideas mal ejecutadas (desde el escritorio alguien debió preguntarse si iba a ser un proyecto viable), horribles ideas y una animación bastante pobre, la cinta se convirtió en una de las peores cintas animadas de la historia, ganando cuatro Razzies en el proceso.
Warner Bros. prontó entendió que los LEGOs no garantizaban un buen futuro, y si bien, tuvo un éxito razonable con LEGO Batman: La Película, una película que vino a encausar al mejor Batman de la década (ni modo Affleck, ni modo Batman ninja), con una historia que combinaba acción, risas y una banda sonora bastante loca (además de una de las mejores parodias de Batman que hayamos escuchado), LEGO Batman parecía mostrar que todo estaba bien con los LEGO.
Pero llegó LEGO Ninjago que tuvo dos grandes errores, la primera que no intentó conectar en lo absoluto con lo que vimos en las dos cintas anteriores de LEGO (es decir, no se aferraba a esa sensación de estar jugando con las piezas y esto mató mucho su guión) y la segunda, un auténtico balazo en el pie, fue ponerla a pocas semanas del trancazo taquillero de Warner que fue It!. Literalmente a los ninjas de LEGO se los cargó el payaso y el fracaso vino a pegarle incluso a la secuela de La Gran Aventura LEGO.
Pixar llegó con dos propuestas y la tercera entrega de Cars, relativamente mejor que la cinta anterior, apenas y convenció a la audiencia con un discurso empoderador y nuevos carros que lucían geniales en la pista, pero que solo marcaba el final del camino para Rayo McQueen y la aceptación de la llegada de nuevas generaciones.
Latinoamérica tuvo dos intentos bastante notorios, el primero fue Condorito: La Película, que fue un trancazo en Sudamérica, pero el guión inconsistente y el doblaje aniquilaron las buenas ideas de la cinta al llegar a México y ya ni siquiera pudo llegar a Estados Unidos. Por otro lado Ana y Bruno, que vino a confirmar que Carlos Carrera es de los mejores animadores del país, pero que tuvo una horrible distribución, dejando que la mejor película animada que México ha tenido fuera un rotundo fracaso en los cines. De consuelo le quedó ganar el Ariel a Mejor Película Animada.
Exijo una explicacion.
Otras cintas a subrayar: Los Pitufos en la Aldea Perdida (al fin Sony nos da lo que queríamos, una cinta con puros Pitufos); Mary y la Flor de la Bruja (el debut de Ponoc Studio, que buscaba seguir el legado de Ghibli), Luces en el Cielo (quizá la cinta comercial japonesa más notoria del año) y My Little Pony: La Película (el final de la saga de la exitosa serie infantil…. esperen….)
¿ALGUIEN DIJO PONIES?
La película más debil de la lista debe ser The Big Bad Fox and Other Tales, que no llegó a Latinoamérica y que es una compilación de cuentos cortos infantiles animados a la vieja escuela. No es que fuera inconsistente, tan solo el hecho de que pudieron haber vendido esta película de otra manera (cortometrajes, televisión…), pudo haberle dado más apertura a la idea que tenían.
Napping Princess fue una cinta que tuvo un éxito mediano en Japón, donde una joven tiene sueños de un reino mágico y pronto su mundo futurista se conecta con ese reino de fantasía gracias a un dispositivo mágico. La cinta se sentía bastante convencional con una historia que nos hacía pensar en las historias de magical girl combinadas con las de pez fuera del agua en un entorno de ciencia ficcion.
Su mayor mérito fue llegar hasta los Annie Awards mientras en su país era opacada por En Este Rincón del Mundo, una conmovedora cinta que nos cuenta los cambios por los que tiene que pasar una chica que vive en el Japón de la Segunda Guerra Mundial.
Documentándose seriamente en como se veían las ciudades japonesas como Hiroshima antes de la guerra, la película era una carta que imprimía nostalgia por los tiempos pre-guerra y los horrores que dicha guerra sembró en el pais. Lo que llevó a esta cinta a lograr mucho reconocimiento en el mundo e incluso se llegó a cuestionar el por qué no llego a contender por el Premio Oscar.
Dreamworks tuvo un año mediocre previo a terminar su convenio de distribución con 20th Century Fox para pasar a ser parte de Comcast y tener que compartir distribuidora con Illumination (Universal Pictures) y, aún así, tuvo dos cintas que contendieron por premios.
Las Aventuras del Capitán Calzoncillos es una de las cintas más malas que ha tenido Dreamworks en su historia. Basada en una popular serie de cuentos infantiles, donde un maestro genera una extraña doble personalidad que le hace volverse un superhéroe que solo usa una capa y unos calzoncillos. Esta película tenía sus momentos, como el tema musical de «Weird Al» Yankovich, los efectos de animación que le permitieron disfrutar una historia con dibujos simples animados por computadora, pero un guión que realmente cuestiona la capacidad mental de cualquiera de sus asistentes.
Mi Villano Favorito 3 era la cuarta cinta de Illumination donde vimos el desgaste que la franquicia ya estaba mostrando, donde todavía lograron colocarse algunos chistes buenos entre los Minions y Agnes, pero estaba claro que la franquicia no intentó crecer con su audiencia y terminó siendo la cinta menos aceptada de la franquicia. Quizá su mayor logro es el hecho de que esperamos una secuela de Minions para el próximo año.
Pasando a las cintas nominadas al Oscar, de las cintas de compañías grandes, Un Jefe en Pañales de Dreamworks, era sin duda, la menos notable de la terna. Una cinta que se basaba en un cuento para adultos donde un bebé termina tomando el control de una familia, fue reescrito a ser la historia de un bebé que manipula a su hermanito para enfrentar a una malvada corporación que pretende sustituir a los bebés con mascotas.
¿Sería acaso esto una forma de crítica de la manera en que los adultos más jovenes estan eligiendo como vivir su vid… (ay! ¡mis dedos!). Lo cierto es que tenía una buena calidad de animación, aunque debo afirmar que tuvo una de las historias más débiles que Dreamworks ha tenido. Pese a ello su éxito le alcanzó para que una secuela esté en planes e incluso hay una serie en Netflix que continúa con la narrativa planteada en la cinta.
Ferdinand ha sido uno de los proyectos más bonitos que Blue Sky Studios ha tenido desde que realizó la primera cinta de La Era de Hielo, donde nos cuenta las desventuras de un enorme toro llamado Ferdinand quien, tras una serie de malos entendidos, es llevado a que aprenda las habilidades de los toros de lidia y se enfrente a uno de los mejores toreros de España, ¿su problema? No le gusta agredir a nadie.
Curiosamente, de haber ganado esta cinta, se hubiera dado el caso singular de que Ferdinand hubiera ganado el Oscar tanto en cortometraje (fue tema de una de las Sinfonías Tontas que ganó el Oscar en la década de los treinta) como en largometraje animado. La historia no era tan buena, pero su recreación de los fondos es una carta de amor para la cultura y el arte español. Además estaba esa cabra loca…
Cartas a Van Gogh ha sido para mi una de las mejores películas independientes que han contenido en la terna de Mejor Película Animada, la producción europea cuenta como un hombre decide pernoctar en la vida de Vincent Van Gogh y explorar los últimos meses de su vida preguntandole a gente clave de su vida en Arles, un pueblo donde desarrolló muchas de sus pinturas antes de morir.
La parte notoria en esta cinta fue el que se hizo completamente con pinturas hechas a mano, usando una técnica en donde primero filmaron la película en live action y después se hicieron pinturas con diferentes colaboradores basados en los fotogramas para luego ser animados usando la computadora. Un trabajo peculiar que seguramente le costó mucho a los estudios terminarla bien y que recibió muchos apoyos por internet.
Aunque la cinta tuvo varias fallas, especialmente en una narrativa que olía más a documental que a drama, es sorprendente la forma en que los cuadros de Van Gogh pasaban a cobrar vida, desde la habitación que tenía Van Gogh en Arles hasta los famosos campos de girasoles. Por el aspecto técnico solamente, Cartas a Van Gogh mereció mucho su nominación.
El Pan de la Guerra fue quizá la cinta que pudo haberle hecho frente a Coco, con un guión que era realmente estremecedor sobre la vida de una chica que decide tomar la identidad de un niño para poder encontrar trabajo y comida para su familia en la Afganistán talibana.
Aunque el trabajo de animación no era tan notorio como el de otras producciones (aunque elementos de Cartoon Saloon estuvieron involucrados), debemos subrayar la historia donde realmente se contó una historia bastante intensa que se le ponia poner al tú por tú con historias como Persepolis o Vals con Bashir.
Una historia donde las ideologías ponen al extremo la vida de las personas y donde el mostrarse débil puede significar la muerte. No era una animación para cualquiera y sin duda fue el contendiente más grande por el Oscar ese año.
Coco es un caso bastante singular. Cuando Disney y Pixar anunciaron que se haría una película llamada Dia de Muertos, se alzó el clamor de boicot de las comunidades hispanas por el hecho de usar el nombre de una festividad muy querida en la cultura mexicana para comercializarla.
Si bien esto no detuvo a Disney de comercializar con dicha festividad (seamos sinceros, nada más le cambió el nombre, pero por lo menos no vimos pan de muerto llamado Coco licenciado por Disney), si obligó a la compañía del ratón a buscar otro nombre y cuando vimos por primera vez las imágenes de Coco, nos dimos cuenta que sería una experiencia muy distinta a la que tuvimos con El Libro de la Vida.
Chanclazos incluidos.
Aunque ambas coincidían en el tema del Dia de Muertos, Coco decidió no meterse tan profundamente en el tema, ahondando solamente en la intención del festejo en sí, el poder permitir que los muertos y los humanos tengan un día para encontrarse y conectarse una vez al año y así poder alargar las memorias de los que están del otro lado, generando incluso un inframundo que lucia mas cercano a lo que el mexicano pudiera haber imaginado en estos dias.
Por otro lado la cinta fue bastante respetuosa con la cultura mexicana al hacer todo lo posible para que todo lo que vieramos, escucharamos y sintieramos realmente se sintiera como si hubiera sido hecho en México, la banda sonora tuvo pocos elementos modernos y los que hubo venían de parte del Instituto Mexicano del Sonido, mientras Giachinno sacó todo lo que pudo para que lo incidental sonara a nuestro país.
Y si a eso sumamos ese estilo Pixar de contar las cosas, no hubo chiste que no hiciera reír ni momento emotivo que nos moviera el corazón y ver cómo una canción cantada tres veces como Recuerdame podía oírse de maneras tan distintas (de la manera festiva en que la cantan al inicio, hasta la forma completamente lacrimógena en que la escuchamos casi al final).
No es de las mejores cintas de Pixar pero movió el corazón de México siendo la primera cinta animada en lograr más de mil millones de pesos y ser, por lo menos por unos meses, la cinta más taquillera de la historia de México (algo que perdería en el 2019 con los estrenos de Avengers: Endgame y Toy Story 4)
Quizá Estados Unidos no lo tomaría con tanto cariño (llegó tarde para el Día de Muertos, precedido de un aburrido corto de «las Frozen» que, quizá fue el mayor gancho que tuvieron algunos para ir a ver Coco), pero en China, país donde también hay muchas tradiciones de la vida después de la muerte, también fue un trancazo taquillero, donde incluso recaudó más que en México.
Mientras El Pan de la Guerra ganaría mejor producción independiente en los Annie Awards, Coco arrasaria con el resto de los Annie Awards al ganar 11 de los 13 premios a los que estaba nominado.
En los Academy Awards más mexicanos que se han tenido memoria, donde el director mexicano Guillermo del Toro (quien, curiosamente, produjo El Libro de la Vida) conquistaría los premios con La Forma del Agua. Coco no desentonó y se llevaría dos premios Oscar, ganando Mejor Película Animada y Mejor Canción Original. Todo un fandango resultó esa premiación que no solo nos hizo celebrar a uno de los mejores directores mexicanos sino vimos ganar a una película que celebró con mucho cariño las festividades y valores de los mexicanos.
Al año siguiente, parecía que Disney/Pixar tendrían otro Oscar ganado, pero Sony, con una de las pocas cosas que ha sabido retener bien de Disney, lograría la redención despues el epico fiasco de los emoticonos.